爱德华·霍珀的《夜鹰》是 20 世纪美国艺术中最知名的作品之一，也是电影和电视中被模仿最多的场景之一。 据传，霍普的灵感来自于纽约市格林威治大道上的一家小餐馆，他从根本上简化了这幅画，以强调孤独和孤立的令人窒息的氛围。
餐厅外的街道空无一人，路上甚至没有任何表明有路人经过的碎片。 小餐厅的门也不见了踪影，仿佛里面的人都被困住了。 餐厅里的三位顾客都在各自冥想，似乎没有什么可以与彼此或服务员分享的。
缺乏故事元素和精美的构图，加上它所承载的意义，使得这幅画不仅仅局限于描绘某个地方，而是具有广泛的共鸣和普遍的内涵。
在黑暗中寻找光明
《夜鹰》一直被定位为表达孤独和疏离的标志性绘画。 这幅画创作于1942年。当白炽灯在20世纪40年代初刚刚开始使用时，霍珀已经掌握了它的品质。 并将这种不自然的光线添加到你自己的作品中。 空荡荡的街道、餐馆里沉默的人们、白炽灯的冰冷色调，传达出都市生活的孤独。 尽管霍普否认他有意在画中传递这样的信号，但他承认这可能在潜意识中描绘了大城市中人与人之间的一种疏离。 确实，能够唤起孤独这个永恒的主题可能是这幅画成为经典的原因之一。
许多人不知道的是，《夜鹰》是霍普对一代人最严重的危机——1941 年 12 月 7 日珍珠港事件和第二次世界大战——做出的回应。 《夜鹰》实际上是在暗指二战对美国人的深刻心理影响。 即使是在没有被战争摧毁的大后方，人们的情绪也充满了压抑和焦虑。
20世纪40年代停电前的纽约时代广场
由于担心遭到袭击，纽约在公共场所实施了停电，并调暗了城市灯光。 热爱步行的霍普被迫在一座被黑暗笼罩的城市中行走。 《夜鹰》的灵感来自于他想象中半夜遇到的一家灯火通明的餐厅。
从霍普的战时经历来看，也许霍普把灯火通明的餐厅视为光明和希望的灯塔，而不是一个与外界隔绝的地方； 这是一个持久的时刻，也是这个团体在黑暗中被发现的时刻。 他非常有目的地包括四个人物，而不仅仅是一个人物，这在他的许多其他画作中是不寻常的。
1930年代美国的经济危机，让曾经高速发展的资本主义经济所带来的繁荣与欢乐一夜退去，只剩下一切干涸、焦虑、绝望、向往。 那是一个不安的时代。 人们经历了突如其来的贫困和痛苦，但同时又不断地提出问题，以不同的形式和媒体寻找答案和解药。 这种追求态度促成了同期美国现代艺术的爆发。
《夜鹰》于 1942 年被芝加哥艺术学院收购，至今这幅画仍然是最受游客欢迎的展品之一。 霍普写信给当时的策展人丹尼尔·卡顿·里奇（Daniel Catton Rich），称《夜鹰》是“我的最爱之一”。
摄影师 George Pratt Lines 于 1950 年拍摄的爱德华·霍珀 (Edward Hopper)
未知的城市空间
现代都市生活场景是爱德华·霍珀最具表现力的视觉主题。 许多人试图寻找“夜鹰”在纽约的实际位置，但一无所获。 也许Hope从来没有刻意地复制过任何特定的空间。 《夜鹰》中的餐厅，大概是霍普从生活积累的印象中提取出来的场景。 从某种意义上来说，这样的空间比街角餐厅的写实作品更加真实，因为它融入了作者最直接的感官体验。
与《夜鹰》齐名的还有霍普在1930年代创作的另外三部作品——《纽约电影》（New York Movie）、《加油站》、《周日清晨》（Early Sunday Morning），这也让我们在不同的场景中感受希望式的表达。
《纽约电影》也体现了同样的创作原则。 经过相当长一段时间的枯燥灵感后，霍珀于 1938 年 12 月开始创作这幅画。 为了这部作品，艺术家走访了纽约各大影院，包括Strand Cinemas、Universal Cinemas、Republic Cinemas，最终决定留在西46街的Palace Theater（现为Lent Fortana Theater）进行初始舞台。 素描作品，但画面中最终呈现的放映厅和走廊，并没有指任何特定剧院的内部。 应该说，画中的场景是霍普对“纽约电影”概念的整体认知。
爱德华·霍珀，纽约电影院，纽约现代艺术博物馆
银幕右侧通向放映厅出口的唯一被灯光照亮的角落，站着一位身份不明的女子，正在陷入沉思； 站在走廊里的女人似乎就是这幅画的主题。 女人的脸看不清楚，但她的金发和宝蓝色连身裤引人注目。 据说，霍普模仿纽约皇宫剧院女员工的服装设计了画中女性的服装，可以说是对真实视觉元素的再创作。 霍珀的妻子、艺术家乔·霍珀是右边那位女士的模特，她也出现在《夜鹰》中。
诗人约瑟夫·斯坦顿（Joseph Stanton）为这部作品写了一首优美的诗，题为“爱德华·霍珀的“纽约电影”），最后一节写道：
图片告诉我们很多
不同质感，充满光彩之气
但在屏幕中间
希望放一块厚厚的暗
和一把空椅子
这张图告诉了我们很多
关于被照亮的空气的各种纹理，
但霍珀将其置于中心
一片黑暗和一把空椅子。
毕竟，“纽约电影院”并不是纽约电影院本身，而是霍普感知中那个时代城市文化的表象，但在这部作品中，却选择了纽约电影院作为传达情感和感知的渠道。 如图所示。
暧昧的人
在霍珀的作品中，“人”作为画面的元素之一呈现，但它从来不主导画面，而是作为某个公共空间的组成部分。
在作品《星期日早晨》中，完全没有人的形象。 可以说，希望通过在视觉上淡化人的存在，在情感表达上更加细腻。
爱德华·霍珀，周日上午，惠特尼美国艺术博物馆
在《加油站》中，霍普描绘了位于一段郊区道路上的加油站。 画面的前景是茂密的森林和灰蓝色的天空； 画面中间，三辆红色加油机由远到近排列，机器后面站着一名身穿深色制服的男子； 在明亮的路灯照射下，三台机器的倒影打在加油站的白墙上。 我们感觉到时间已经很晚了，也许那个人正要收工离开。
爱德华·霍珀，加油站，现代艺术博物馆，纽约
霍珀对人物的描绘是柔和的。 画中的人物与他们所处的环境相比是那么渺小，如果不是深色的衣服和周围颜色的对比，观者很容易忽视人物的存在。
但正是这种淡薄的存在感，进一步加深了霍珀作品中的孤独情绪。 就像《星期日早晨》中一样，晨光覆盖下的纽约老城街道空无一人，只有一排又旧又低矮的排屋，二楼一排狭窄的窗户，高高低低地画着帷幕，暗示着日常生活正在继续。 人类的存在在这件作品中完全失去了清晰的视觉表达，并溶解在城市空间本身中。
霍珀虽然没有正面描绘人，但他的作品却包含了你我这样的普通人对现代都市生活的感知和体验。 他把人们置于具体的生活场景中，描述人们的生存状态。 这种生活状态的表现远远超出了人本身，延伸到了所有引发和保存都市人情感的容器，即咖啡店、餐馆、电影院、加油站、公寓。 这种表达方式不仅让观者产生深深的共情，同时也体现了一种内省的态度：只有重构自己的生活场景，才能以第三方的视角来观察自己。 就这样，霍普在他的城市剖面中不断地感知、反思和表达。
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